Corte no teatropoa.blogspot.com

Um corte que não interrompe

Sem querer dar uma de “cabeção”, achei que valia a pena falar de Júlio Plaza, distinto senhor que não saiu da minha “cabeça” na platéia de “Corte”. O artista espanhol falecido em 2003 desenvolveu uma pesquisa sobre multimeios que, em muito, dialoga com o trabalho do Grupo Jogo de Cena. Aqui fico pensando se é porque o espetáculo inclui em sua proposta uma conversa em que participam elementos audiovisuais, além da recuperação de personagens clássicos da dramaturgia num espetáculo, artificialmente falando, “de dança”. Mas proponho que não. É justamente nesse incluir que Décio Antunes se afasta de Plaza. A proximidade está no eixo.

Citando Walter Benjamin, Plaza propõe que imaginemos duas formas de encarar a história. Na primeira delas, cada momento histórico (e é partindo do momento histórico atual que Décio Antunes estabelece a sua narrativa) funciona como uma linha horizontal. Nesse caso, olhar para o passado é como se tivéssemos várias linhas horizontais umas em cima das outras, o que justifica o termo historiografia. Pensar o passado, com olhos firmes no presente, é como pegar uma faca bem afiada e cortar essas linhas ao meio num movimento vertical que possibilita a reflexão sobre os cortes.

O outro modo de ver a história é observá-la como constelar. Cada momento da história ocupa, nessa idéia, exatamente o lugar do momento anterior e, ao invés de linhas horizontais, temos sistemas palimpséticos. O passado, assim, se completa no presente e no futuro e está, portanto, vivo. O presente, que já é passado no ato da reflexão, possui o passado em segundo plano. O futuro ressignifica o passado, não como mero simulacro como faz a moda, que se utiliza do ontem como objeto de construção de um falso novo, mas como a arte e a filosofia que produzem novos olhares a partir dos novos desafios. Ver a história com olhos de historicidade me parece ser o eixo de “Corte”.

O ponto alto da peça, quando o sistema proposto por Antunes se torna uno, é quando os atores-bailarinos entram com pedaços de manequins, já no início. Pedaços, cortes, retalhos. O cenário é composto de trechos de carros, peças de imagens, rampas que não se concluem, buracos negros. A luz de Bathista Freire e Guto Greca proporciona ao encenador e ao seu público espaços ricos em significação. O figurino de Coca Serpa é indicial: aponta para o além, indica, mostra sem ser mostrado. As peças, nesse cenário de Felix Bressan de que fazem parte também os sete atores (e sete é o número da perfeição), acrescentam significados, com também os vídeos, esses compostos por trechos, retalhos de cenas.

O ponto baixo da peça é o que chamamos de espetáculo. Se tudo aquilo que é plástico é base significativa rica em informação e forma a lente através da qual estamos aptos a olhar o homem, não como produto de seu passado, nem como semente do seu futuro, mas como carregado tanto de si ontem, como de si amanhã, não é na encenação que se estabelece a reflexão. Décio Antunes pára na preparação e deixa de dar, com poucas exceções, o passo adiante.

Na tela vemos imagens de 11 de setembro. Uma atriz veste-se com bombas e joga-se num buraco. 1 + 1 = 1, no teatro.A narração fala sobre estar frio.

Uma geladeira entra em cena e dela sai uma mulher.

Uma atriz de vermelho entra limpando incessantemente as mãos de algo que não sai. Num inglês que nem de longe parece ser orgânico, ela cita Lady Macbeth.

E, assim, em vários momentos, os elementos concordam entre si além do esperado na narrativa dramática, se tornando monocórdio: um código sujeita-se a outro e pouco se avança além da cena inicial.

Fabiane Severo e Patrick Vargas destacam-se por dar importância à espontaneidade, tão contemporânea à dança. Em suas aparições, os movimentos não se mostram cristalizados, como ocorre várias vezes com seus colegas, mas produzem o sentido do existir, do aqui agora performático em cujo acontecimento está a razão para o vínculo palco e platéia. Como os elementos plásticos, o olhar desses dois intérpretes apontam, jogam a reflexão para o olhar do público, tarefa essa cerne para o pós-dramático de Lehmann.

Assim, Décio Antunes se distancia de Plaza por construir um espetáculo que, em seus bons momentos, se fecha em si, concordando consigo mesmo num excesso de coerência para o que se espera da dança hoje. Mas se aproxima do artista espanhol no momento em que traz à cena da capital gaúcha uma reflexão historicista (e não historiográfica) a partir um espetáculo cheio de belas imagens.

“com vida o corpo se erguefaz rolar a pedra, sempre a mesmapara cima do montesempre o mesmo”

**Concepção de Direção: Décio Antunes

Coreografias: Maria Waleska Van Helden

Música: Flávio Silveira e pesquisa de Décio Antunes, Fabiane Severo e Maria Waleska

ELENCO:

Cristina Camps

Fabiane Severo

Graziela Silveira

Maria Albers

Patrick Vargas

Robson Duarte

Stela Menezes

Narração: Nelson Diniz

Figurino: Coca Serpa

Cenário: Felix Bressan

Luz: Bathista Freire e Guto Greca

Fotografias: Carlos Sillero

Projeto Gráfico: Liege Grandi

Produção Audiovisual:Camila Vieira e Cristiano Oliveira (conceito, pesquisa e edição)

Luini Nerva (produção)

Rodrigo Poyastro (técnica)

Assist. de Produção: Liege Porchetto

Produção: Jogo de Cena

Comentário de Decio Antunes:

Prezado Rodrigo, conheci teu blog pela minha filha Luini e venho aqui saudar tua iniciativa - há uma ausência de "ressonância" aos processos artísticos na cena e tua iniciativa deve ser ressaltada. Faremos teus comentários integrar nosso blog do Corte:espetaculocorte.blogspot.comTuas observações estão muito bem fundamentadas em fontes quando abordas o espetáculo. Discordo, obviamente de observações pontuais - mas o comentário é teu e deve ser respeitado. Contrapor seria fazer tipo aquele sistema de crítica que lê um espetáculo pensando em outro que pretensamente vê.O único ponto essencialmente discordante é tua noção de ponto baixo do espetáculo que é a encenação, uma afirmação contraditória em si quando foi ela que gerou o fôlego de teus comentários. Os outros, queria saber que "dança" pensas quando comentas sobre o espetáculo estar operando sistemas narrativos. Acreditas ainda que existe "uma dança"? Por fim, pelas citações que indicas, para o diálogo fundamental estabelecido pela crítica é muito saudável não haver códigos cifrados de compreensão possível apenas para o crítico. Isso cria uma matéria movediça e instável, que pude - já que visitei teu blog - perceber também em outra críticas tuas. Um abraço e continues, prometes como crítico!

Decio Antunes

Corte por Daniela Cunha - Jornalista

Corte – Refiro-me à palavra com a sílaba tônica cor pronunciada com o “o” aberto é o espetáculo do grupo Jogo de Cena, concebido e dirigido pelo Décio Antunes, com coreografias de Maria Waleska Van Helden. Como o próprio nome do trabalho, é difícil comentá-lo pela complexidade do que não se vê, mas que está subentendido na obra.

Prato cheio para os intelectuais dessa era, o Corte traz à tona a filosofia, a sociologia, as inquietudes deste século, mas remete também à mitologia grega e a eterna angústia de Sísifo, condenado a “fazer rolar a pedra, sempre a mesma para cima do monte, sempre o mesmo...” Lembra também Edgar Morim e sua teoria do caos e da ordem, típicos desse nosso tempo tão controverso, tão doido e doído e um pouco de Shakespeare em “Ser ou não ser, eis a questão”. O Corte é um pouco de tudo, mas basicamente, mostra a dor desse nosso tempo meio sombrio, violento, fragmentado, aos pedaços.

Tanto faz se o espectador já ouviu falar nos modernos ou pós-modernos ou em gregos e romanos. O Corte escancara um tempo midiático profetizado por Marshall Mc Luhan quando afirmava que “o meio é a mensagem” e introduziu, como um verdadeiro visionário, a terminologia aldeia global. É nosso esse tempo de bits e bytes, de velocidade e vida no ciberespaço. Também é nosso esse tempo sombrio de jovens fundamentalistas que viram homens e mulheres bombas que morrem por uma causa ou são atropelados por aviões em seus ambientes de trabalho. Esse tempo fluido, exposto e escondido está no Corte.

Como um soco no estômago, o espetáculo faz pensar, incomoda. Porém, é na mistura perfeita de elenco e cenário que a esperança pode surgir de algum escombro. É ali entre tonéis e carcaças que ressurge quase como um milagre as presenças de Cristina Camps, Fabiane Severo, Graziela Silveira, Maria Albers, Patrick Vargas, Robson Duarte e Stela Menezes. Eles lembram que a vida pulsa na luz ou na sombra. Se no terceiro milênio estamos atrapalhados com tanto barulho e com um tempo onde as horas pesam, esse tempo é dessa geração. Nossos somos os donos das escolhas, das penumbras, das tempestades, das noites. Temos o desafio de mudar o paradigma, de fazer a revolução e pensar num outro mundo, menos consumista, talvez, mais humanizado, quem sabe.

O Corte é importante pelo que não diz e pelo que não mostra. É fundamental pela falta de alegria, de cor. O Corte pode ser simplesmente o anúncio ou o início de um novo tempo, mais leve, mais consistente, mais viável. O Corte pode ser simplesmente o tempo de ontem, de torres gêmeas desabando, de Bush atordoando, de Bin Laden revidando. O Corte é fundamental pelo que revela e escancara. É a ferida desse nosso tempo ou quem sabe a cicatriz desse mesmo tempo. Contraditório, é o nó nas tripas, a fratura exposta, é o corpo correndo atrás da cabeça e ela em busca do sentido da vida. Um luxo (ou lixo existencial)! Só para variar, Décio e Waleska saem de novo do lugar comum e arrasam, sem cortes. Bravo!

Daniela Cunha - Jornalista

danielacunha@terra.com.br

Camarote TvCom direto do Museu do Trabalho

Na última sexta-feira, dia 10 de julho, o programa Camarote, da TvCom, foi transmitido ao vivo da Oficina do Museu do Trabalho. Decio Antunes, Maria Waleska van Helden e Fabiane Severo concederam entrevista para Kátia Suman no primeiro bloco do programa.

Por trás da aparência, a essência de Corte

Por Antonio Hohlfeldt

O novo espetáculo dramático-coreográfico de Decio Antunes chama-se, não por acaso, Corte. Logo que se entra no espaço da Usina do Trabalho, totalmente modificado para a performance, encontramos uma espécie de paisagem de "dia depois". Carcaças de automóveis espalhadas por tudo, tubos de televisão com imagens fixas - que depois serão acionadas, em circuito fechado - rampas de acesso, e toda a estrutura de galpão a que estamos acostumados naquele espaço. Realmente, a impressão é de final de mundo, de um caos que segue a uma destruição absoluta.

Sete bailarinos vão se revezar , durante quase uma hora de espetáculo. Arrastam/arrastam-se pela cena, solitários, como que a perambular sem rumo , ou trazendo consigo outros corpos tão confusos e perdidos quanto os seus próprios. Câmeras de televisão projetam, nos visores, imagens variadas da mesma cena. Em outros momentos, recuperam-se imagens documentaisde momentos críticos - de corte - da história da civilização: Hitler, guerras localizadas, bomba atômica em Hiroshima, as lutas fraticidas da África. O espetáculo de Decio Antunes não é nada cor-de-rosa mas, ao mesmo tempo, o simples fato de ser idealizado e executado atesta um resquício de esperança na humanidade. Se não... para que nos provocar?

Trata-se de um ritmo lento, de uma certa provocação ao espectador, levando-o a refletir sobre a atual condição humana, tanto psicológica quanto cultural e política. Como diz o texto de apresentação, não é cético nem esperançosos: é provocador, e neste sentido, enquanto obra de arte, cumpre sua principal função, levar o espectador a sentir e a pensar, conscientizar-se e visualizar-se naquele contexto.

O figurino de Coca Serpa explora cores escuras, da mesma maneira que a iluminação de Bathista Freire e Guto Grecca, na cenografia de Félix Bressan criam espaçosde claro-escuro que revelam-se escondem realidades díspares e contraditórias. Estamos diante da civilização de consumo que tudo põe fora, inclusive o ser humano - daí a bailarina que se esconde se revela dentro de uma geladeira. Ou de uma civilização que trabalha com as sobras da destruição - e então as carcaças do automóvel, talvez um dos mais radicais símbolos do non-sense da passagem do século XX para o atual. A simbiose entre o trabalho com o corpo humano - elemento natural - e a tecnologia - elemento artificial - está equilibrada e revela, claramente, o que poderia ser, mas não é. Para que isso funcionea contento no espetáculo, contudo, é fundamental, de uma lado, o perfeito controle de toda esta maquinaria por parte dos responsáveis pelo trabalho, de um lado e, de outro, a perfeita simbiose entre as intérpretes, no caso, os bailarinos. Cristina Camps, Fabiane Severo, Graziela Silveira, Maria Albers, Patrick Vargas, Robson Duarte e Stela Menezes mostram um preparo físico perfeito e uma dedicação absolutamente admiráveis para a concretização do trabalho, que não tem nenhuma facilidade para qualquer dos intérpretes.

Para quebrar o (falso) espetáculo da vida, Corte, por isso mesmo, nos obriga a uma parada: ao cortar o fluxo aparentemente natural do cotidiano, traz-no à realidade concreta, ao que normalmente se esconde por trás da aparência; Não é casual, por certo, a referência a uma passagem de Macbeth, dada no original, nem os textos em alemão, quando se fala da destruição em massa, em clara alusão ao nazismo e seus seguidores, ainda hoje presentes entre nós. Aliás, todos o espetáculo se constitui numa espécie de paródia de textos conhecidos como Sófocles e Eurípides, talvez o próprio Albert Camus de A peste, além do já citado mais acima, articulando-se com as imagens documentais e aquelas geradas a partir do próprio espetáculo.

Corte interrompe a vida para nos levar a pensar sobre ela. A notícia, que é quase sempre espetacularizada pela televisão, aqui é recuperada, nas imagens documentais, para nos fazer entrar em sua aparência e descobrir seu sentido mais profundo. Em suma, trata-se de um excelente momento de Decio Antunes, enquanto criador, trabalhando a partir de quem tem em mãos: a excelente potencialidade dos bailarinos e as possibilidade variadas que a tecnologia lhe permite.

*Coluna publicada no Jornal do Comércio do dia 3 de julho de 2009.

Por Antonio Hohlfeldt

Grupo Tholl (e mais uma vez, Corte)

Quero corrigir uma falha cometida na coluna da semana passada, que foi a omissão do nome da coreógrafa Maria Waleska van Helden no comentário sobre o espetáculo de dança-teatro Corte. Uma das coisas que gosto neste caminho que o diretor Decio Antunesvem trilhando é justamente a perfeita simbiose entre a coreografia e o conjunto da cena, dando naturalidade e unidade. Talvez por isso mesmo omiti a coreógrafa, sem deixar de valorizar sua intervenção. A coreografia de Corte tem um mérito especial: ela é natural mas é expressiva. Tudo está medido, pensado, 're-significado', de maneira a evidenciar, no pequeno e lento gesto, aquilo que a direção pretende expressar. Daí sua qualidade: é verdadeiramente um belo diálogo de dois artistas, que só podemos agradecer.

*Coluna publicada no Jornal do Comércio do dia 10 de julho.

Morre a mestra Pina Bausch

A bailarina e coreógrafa alemã Pina Bausch morreu aos 68 anos

Nos anos 1970, Bausch criou novas formas e estilos no teatro e na dança. Dez anos mais tarde, seu trabalho ganhou, na Alemanha, a mesma importância que o teatro falado.
A companhia de Pina Bausch esteve pela última vez no Brasil em 2006 e volta aos palcos paulistanos em setembro, onde mostrará duas obras fundamentais na carreira da coreógrafa: "Café Müller", peça de 1978, e sua versão para "A Sagração da Primavera", de 1975, com música de Igor Stravinsky.
Trata-se do mesmo programa que Bausch e seu grupo de Wuppertal apresentaram no Brasil em 1980, na primeira turnê da companhia ao país.
notícia retirada da Folha Online com informações da Efe e France Presse

Abaixo os links de Café Müller e Sagração da Primavera.

http://www.youtube.com/watch?v=Jm70fMM3JAk

http://www.youtube.com/watch?v=-bp4kiW_te4

Corte é destaque no Blog de Renato Mendonça do jornal Zero Hora

Corte na Veja - Porto Alegre